Tras la pesadilla de Covid-19, cuando se impuso el aislamiento tanto a enfermos como a familiares, el dolor y la desorientación perduran. Entonces las palabras fueron bloqueadas, pero el cuerpo habla en silencio y el corto “Isolation terminal” lo expresa a través de la danza y la música. El aislamiento fue terminal para muchos.
Graham Douglas
Todos conocemos las películas de pocos minutos que se utilizan como tráiler de largometrajes, o los clips cortos que acompañan a las pistas musicales en MTV o Youtube, pero ¿qué tal una película de cuatro minutos que lo es todo? Bueno, tiene música, y la música es importante.
Ahora piense en la pandemia de Covid, ¿qué recuerda? Si, como yo, no te afectó personalmente, recuerdas la incompetencia y la podredumbre de los políticos del Reino Unido, el «exceso de muertes» innecesariamente alto y tener que llevar mascarilla. Si eres uno de los miles de personas que perdieron a un familiar y no pudieron visitarlo, el dolor y la injusticia siguen hirviendo.
Paula Romero ha unido estos dos temas y ha creado un cortometraje en el que dos bailarines expresan a través del movimiento corporal y la expresión facial el aislamiento, la rabia y el horror en su película “Isolation terminal”, de visionado gratuito con una cuenta de Vimeo. Y quizá no se trate sólo de Covid.
Paula también trabaja en televisión para producciones emitidas en la BBC, Netflix y Discovery Channel. Su premiado cortometraje “Mothertruckers” también aborda el tema del aislamiento desde una perspectiva feminista.
Hablé con Paula para The Prisma y su película se proyectará en la Indy Film Library de Londres el 25 de febrero.
Usted dijo que la película dice algo sobre la condición humana. ¿Qué dice y por qué la danza es una buena forma de decirlo?
“Isolation terminal” es un viaje a través de diferentes estados mentales, así como una expresión artística que utiliza el cuerpo para abordar la salud mental.
Este cortometraje surge de un estado colectivo de aislamiento mental experimentado durante el inicio de la pandemia de Covid-19 y sitúa al cuerpo como receptor, a la vez que como forma de expresión, de todos aquellos procesos internos a los que se enfrenta nuestra mente cuando se encuentra en un estado de dolor, ira o, simplemente, cuando no estamos en armonía con nosotros mismos.
En este vídeo musical, la danza se presenta como un mecanismo a través del cual mostrar la fugacidad y la dura violencia de la mente, así como los pensamientos compulsivos y autodestructivos que surgen en estados de disociación extrema. El cuerpo emerge a través de una performance orquestada por el ritmo de la música, que no permite pausas y que termina con una caída final, y una mutilación de lo corporal como única forma de reconectar con la forma más profunda del yo.
Además, la dualidad se representa a través de los bailarines, que coreografían un espacio de lucha sin tregua. Sólo al final aparecen en el mismo marco y se abrazan, dando espacio a la calma y a una forma de renacimiento que surge de un espacio de perdón y aceptación de la Otredad.
Su anterior cortometraje documental “Mothertruckers” se centraba en el aislamiento que supone conducir un camión, una vida que pocas mujeres desean. Pero escribir es su vía de escape cuando el mundo se vuelve «demasiado insoportable o mundano». ¿No ve esperanza en la conversación como vía para el cambio?
Mi último cortometraje, “Mothertruckers”, es una visión de la historia no contada de las camioneras. Aborda el conflicto de ser una mujer camionera en una profesión dominada por los hombres y explora la idea romántica de encontrar la libertad en la carretera en comparación con el duro trabajo y el estilo de vida poco convencional de esta profesión.
La protagonista, Lisa Melburne, utiliza la cabina del camión como vía de escape de la realidad. Aunque la vida de un camionero conlleva aislamiento, Lisa dice algo importante: «Hay un mundo de diferencia entre sentirse solo y estar solo. Lo primero puede destrozar el alma, lo otro, puede ser liberador».
Mientras “Mothertruckers” es una oda a la búsqueda de la libertad, una libertad que reside en nuestra capacidad de soñar con otras realidades, “Isolation terminal” deambula por conceptos más complejos y oscuros de la mente. Aborda la salud mental y utiliza la danza, y el cuerpo, como medio para hablar del ruido de la mente.
Como creadora y ser humano que ha vivido momentos de crisis mental y emocional, primero tuve que pasar por un proceso de curación -y en el proceso creativo- para aprender a afrontar y hablar de la realidad con esperanza.
En “Isolation terminal”, ambas bailarinas se abrazan utilizando el amor como forma de sobrevivir; y en “Mothertruckers”, para Lisa la carretera es una forma de soñar. Son formas de encontrar la esperanza dentro de la complejidad de los contextos sociales y políticos en los que vivimos.
¿Cómo ha evolucionado su trabajo y qué pretende hacer con sus cortometrajes?
Desde muy joven empecé a mirar el mundo a través del objetivo de la cámara, queriendo documentar la realidad, amplificar las voces y centrarme en historias no contadas. Como periodista, me centré en la realización de documentales como “El angel de Itinsana” (Colombia 2013), “We have never been superwoman”, (España 2016), “Confinements stories”, (Inglaterra, 2020) y “Mothertruckers” (España/Reino Unido, 2023).
“Mothertruckers” ha participado en más de 50 festivales de cine nacionales e internacionales -como el de Odense y Cinelebu (ambos calificaron para los Goya y los Oscar)- y ha recibido premios, como el de la Academia de Cine de Andalucía, el Festival de Cine Europeo de Sevilla en España y el Atlantidoc en Uruguay.
“Isolation terminal” parecía transmitir rabia y desesperación ante un horror más allá de las palabras. En un mundo de sofisticados medios multicanal, ¿estamos atrapados en el silencio por las posibilidades de nuestra propia brillantez técnica?
Creo que no. Cada persona tiene una forma diferente de ver las cosas, pero no todos deciden compartirla a través de una disciplina artística. El arte y la cultura nos dan libertad y conexión, por eso a la gente le apasiona crear nuevas piezas.
No estamos atrapados; intentamos leer e interpretar el mundo y dejar en él algo propio y auténtico. Pero ésta es una opinión muy subjetiva y personal.
¿Cuál es su público objetivo?
No tengo un público objetivo porque considero que dependiendo de la temática y la distribución de un producto, llegará a un sitio u otro. No había ninguna estrategia detrás de “Isolation terminal” ni de “Mothertruckers”. En el primero, quería expresar un sentimiento colectivo utilizando la danza como vehículo. En el segundo, el deseo de contar desde un espacio que no se ha hecho antes. A veces utilizo un circuito de distribución recomendado para que me ayude a presentar el proyecto en festivales que puedan estar interesados en el contenido, o actúo yo misma como distribuidora.
Asimismo, mis trabajos tienen en común una perspectiva feminista y se centran en las historias y realidades de las mujeres para generar modelos femeninos que nos ayuden a erradicar años de personajes estereotipados en la gran pantalla. Y creo que esto está abierto a un público amplio.
Ambas intérpretes exhiben su vello axilar: ¿Fue ésta elección de ellas o la suya? ¿Está usted desafiando una estética moderna de la belleza cosmética?
Me sorprende mucho esta pregunta. Es algo que ni siquiera me había planteado. No es mi cuerpo, así que no debería decidir por los demás. Puedo entender que en los años 80 o 90, tener vello en las axilas fuera políticamente radical y desafiara la moda o la estética. Hoy en día, creo que la sociedad ya ha superado esos complejos, y si no, creo que es algo que la sociedad debería replantearse.
Los clips cortos se utilizan habitualmente en publicidad y para acompañar temas musicales en canales como MTV. ¿Existe el riesgo de que “Isolation terminal” se trivialice y sea visto como un «vídeo de fondo»?
Ahora mismo no me preocupa mucho. Esta pieza de danza forma parte de un proyecto creado con bailarines profesionales, que también son amigos, y responde a un deseo de contar algo diferente. Si alguien la ve y le gusta, beneficiará al propio proyecto.
¿De qué trata su último proyecto?
Mi próximo proyecto ahonda en la complejidad de una relación madre-hija en un contexto migratorio, con base en Inglaterra. Reflexiona sobre los lazos familiares y los traumas heredados. Inicialmente será un cortometraje que se convertirá en largometraje.
(Traducido por Monica del Pilar Uribe Marin) – Fotos suministradas por la entrevistada y autorizadas para su publicación.
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